¡Oliver! (Teatro Gielgud, Londres)
Veredicto: ruidoso y abrumador
La realidad no está realmente involucrada en la encantadora puesta en escena musical de Lionel Burt de Oliver Twist de Dickens. Lejos de ser una obra de realismo social, su espectáculo es un glorioso escape de la sombría realidad del orfanato victoriano y del inframundo criminal en el que se desarrolla.
Gracias a una lista imbatible de melodías de music hall, desde Food Glorious Food hasta Consider Yourself, es una alondra grande, radiante y vibrante.
Por eso me parece extraño que la tan publicitada reposición de Cameron Mackintosh (vista por primera vez en Chichester el año pasado), dirigida por el coreógrafo Matthew Bourne, parezca ansiosa por recordarnos que la vida por debajo del umbral de pobreza en el Londres del siglo XIX no era una broma.
Se enfatiza brutalmente la violencia doméstica del villano Bill Sykes, y un lema en el orfanato de Oliver proclama sarcásticamente “Dios es amor”.
Pero eso no quiere decir que no sea divertido. Sorprendentemente, la coreografía de Bourne se mueve como un Rolls-Royce. Oom-pah-pah después de la pausa es una de las canciones de bienvenida más alegres jamás escritas.
Gracias a una lista imbatible de melodías de music hall, desde Food Glorious Food hasta Consider Yourself, es una alondra grande, radiante y vibrante.
Me parece extraño que el multiestímulo de Cameron Mackintosh (visto por primera vez en Chichester el año pasado), dirigido por el coreógrafo Matthew Bourne, parezca ansioso por recordarnos que la vida por debajo del umbral de pobreza en el Londres del siglo XIX no era una broma.
El espectáculo es, en su mayor parte, un auténtico cockney arrodillado, que se mueve bien y se lanza con melodías genuinas como Tienes que elegir un bolsillo o dos y volver pronto.
Mientras Bourne nos ofrece espectáculos y golpes, los personajes del programa se dibujan de manera más tentativa.
La coreografía de Bourne se mueve como un Rolls Royce. Oom-pah-pah después de la pausa es una de las canciones de bienvenida más alegres jamás escritas.
No quiero ver un espectáculo que se representa con entusiasmo en círculos concurridos, bajo pasarelas y puentes cubiertos de hielo seco y ropa sucia. Pero mi hija moderadora y yo no nos sorprendimos.
Y el espectáculo es, durante mucho tiempo, un verdadero cockney arrodillado, tocando bien y verdaderamente una melodía como Tienes que elegir un bolsillo o dos y volver a ser hijo.
Pero mientras Bourne nos da sorpresas y golpes, los personajes del programa se dibujan de manera más tentativa.
Lejos de ser una criatura inteligente, obligada a vivir de su ingenio, Fagin, el carterista jefe de Simon Lipkin, es un vagabundo fornido y estentóreo. Si tuviera voluntad, ciertamente podría hacer un trabajo ligero con el sarcástico Bill Sykes de Aaron Sidwell.
Pero al menos Lipkin es también una figura paterna de buen corazón para sus jóvenes aprendices.
Y aunque a Shane Holmes le vendría bien más actitud como la camarera Nancy, no decepciona con su conflictiva canción para Bill, As Long As He Needs Me.
El número más conmovedor es para nuestro héroe Oliver en Where Is Love: la actuación que vi envió los tonos cristalinos de un niño del coro de Cian Eagle-Service.
No quiero ver un espectáculo que se representa con entusiasmo en círculos concurridos, bajo pasarelas y puentes cubiertos de hielo seco y ropa sucia. Pero mi hija moderadora y yo no nos sorprendimos. Demasiado parece demasiado ruidoso y demasiado exagerado.
Incluso la famosa petición de Oliver de más crueldad parece exagerada. Quería un poco menos de todo, excepto, por supuesto, la fantasía salvaje y desafiante de la realidad de Bart.
Al diablo le puede importar
(Casa de juegos de Southwark, Londres)
Veredicto: Thriller en Manila
Los fanáticos de All Creatures Great and Small de Channel 5, como yo, estarán emocionados de saber que pueden ver al mujeriego Tristan Farnon (Callum Woodhouse, derecha) de cerca en Bijou Southwark Playhouse. Interpreta a un playboy trastornado y ex traficante de armas en The Devil May Care, una ingeniosa adaptación de una de las primeras comedias de George Bernard Shaw. El escritor y director Mark Gieser traslada la acción desde la América revolucionaria de la década de 1780 a las Filipinas alrededor de 1900, donde las fuerzas coloniales estadounidenses están reprimiendo violentamente las rebeliones locales.
El personaje de Woodhouse, Richard, es un niño descarriado que se convierte en beneficiario de los caprichos de su padre, a pesar de disgustar a su madre por vivir “entre hombres salvajes y mujeres de espíritu libre”.
Gieser convierte la sátira de Shaw sobre la hipocresía colonial en un thriller judicial ambientado en Manila mientras Richard defiende a un vicario acusado de difundir la sedición entre los nativos mediante mendigos creyentes.
Su decisión es un recurso retórico típico de Shaw, pero también sugiere una discusión divertida e ingeniosa sobre la ética personal, religiosa, política, colonial y militar.
Producción teatral The Devil May Care, Southwark
No es la producción más sofisticada, frente a una pared de pinturas de la jungla estilo Rousseau y muebles de baratijas. Pero también hay una actuación aguda.
Woodhouse, una presencia lúdica en el escenario y la pantalla, es de alguna manera creíble como el implacable canciller Richard, combinando duplicidad, audacia y encanto.
No es la producción más sofisticada, frente a una pared de pinturas de la jungla estilo Rousseau y muebles de baratijas. Pero también hay actuaciones brillantes de Beth Burrows como la esposa del vicario que, en otro giro de Shavian, se convierte en una brillante abogada.
*Oliver! Se aceptan reservas hasta el 28 de septiembre. Devil May Care estará vigente hasta el 1 de febrero.
El juego revivido de Murder Maid carece de pulido
The Maids (Teatro Jermyn Street, Londres)
Veredicto: juego de poder impotente
En la década de 1930, el trauma de la vida real de una madre y su hija asesinadas por sus dos sirvientas, las hermanas Papin, se convirtió en un detonante y en la inspiración para la obra “absurda” de Jean Genet de 1947, Las criadas, un estudio psicológico radical de las clases, el poder y venganza.
El ama de llaves en el teatro de Jermyn Street
The Maids es un estudio psicológico radical sobre la clase, el poder y la venganza.
Lo que puede explicar por qué el set de avivamiento de Annie Kershaw tiene la sensación de una celda clínica y sin alma en un hospital psiquiátrico. La habitación de azulejos blancos está vacía excepto por un tocador, un reloj digital y un jarrón con flores de color marrón apagado.
“Tu sudor apesta”, huele una criada joven y amable envuelta en una bata de seda. “Tocarte es tocar sucio”, escupió. “Me debes toda tu existencia”.
Su tono de altivo desdén no suena del todo cierto. Luego se topa con el nombre de la criada y queda claro que las hermanas están jugando a un juego: rock and roll.
Cuando sus amantes están ausentes, actúan alternativamente como empleadores abusivos y sirvientes abusados. Claramente obsesionados con la superioridad y la alteridad de esta mujer, así como con la injusticia de su situación, caen en la esclavitud e imaginan terminar con todo envenenando su té de manzanilla.
Pero como parece que la fantasía podría convertirse en una realidad asesina, el juego se ve interrumpido por su inesperado regreso. Carla Harrison-Hodge interpreta a The Mistress como una parodia encabritada de películas como Made in Chelsea: demasiado desagradable para ser aterradora, demasiado vanidosa y vacía de cualquier cosa para ver más allá de su propio reflejo delirante sobre sí misma.
*Maids trabaja en Londres hasta el 22 de enero, luego se traslada a Reading Repres
Anna Popplewell y Charlie Oscardo son buenos para sugerir las mentes aplastadas y en conflicto de las criadas, pero, como esta producción es capaz de hacer, carece de una intensidad nerviosa esencial.
Culpo a la adaptación inerte y informe de Martin Crimp, que no logra encontrar el latido dramático de la obra. Un juego revolucionario pierde su poder.
*Maids trabaja en Londres hasta el 22 de enero, luego se traslada a Reading Rep (del 28 de enero al 8 de febrero).
El aterrador espectáculo del circo sigue volando alto
Courteo (Royal Albert Hall)
Veredicto: deliciosamente espeluznante
Durante su última residencia en el Albert Hall del Cirque du Soleil, comencé a preguntarme qué tipo de ansiedades debían estar soñando estos chicos.
Casualmente, su nuevo espectáculo se enmarca como el sueño encantador de un payaso italiano, Mauro, imaginando su funeral carnavalesco y su viaje al más allá.
El Albert Hall está atravesado por un salón de baile de fin de siglo, lo que convierte al público de ambos lados en parte de la opulenta escena. También entramos a formar parte de la acción, cuando un pequeño ‘payaso’ salta sobre nosotros, sostenido por globos gigantes de helio.
Cuando los ángeles saltan al escenario, el viaje del payaso hacia la eternidad es, sin embargo, una procesión familiar de acróbatas y contorsionistas.
Pero la fórmula parece más fresca, cuando los trapecistas se enredan en la lámpara de araña sobre la cama de Mauro y los trampolines abandonan su colchón.
Finalmente, ningún truco narrativo o vestuario llamativo puede ocultar lo que es una exhibición gimnástica de alto riesgo, incluido el desgarrador momento en que un hombre sube una escalera de 12 pies.
Está la habitual comedia tonta; Una ‘pelota de golf’ neurótica (la cabeza de una mujer, un gorro de baño blanco con hoyuelos, metida a través de un agujero en el escenario) espera mientras un gigante explosivo balancea un palo en Plus Four.
Pero luego volvemos a desafiar la gravedad. El espectáculo termina con una docena de hombres en las barras horizontales. Exteriormente son tan frescos como el calabacín. Pero, ¿qué sueños vendrán cuando se revuelvan en la cama?
*Hasta el 2 de marzo.
