Joyce J. Scott no es una mujer fácil de entrevistar. No es que sea irracional. Es difícil pronunciar una palabra porque prácticamente todas las personas con las que hemos viajado juntas por Baltimore durante el día se detienen para hablar con ella y le gritan “¡Reina!”. o “¡Mamá Joyce!” Cada vez que entramos en su lugar de reunión local.
Respondió con entusiasmo, calidez y un don de humor para trabajar con el público, interpretando varios personajes (un niño mimado, un intelectual altivo, un tipo duro), conversador, ingenioso y, en general, haciendo reír a la gente.
Estas interacciones dicen mucho sobre Scott, de 75 años, quien usa el humor tanto como el arte: tejer y acolchar textiles; elaboradas joyas con cuentas; esculturas que combinan abalorios, vidrio y objetos encontrados; Ropa de confección intrincada; grabado, instalación y performance: para iniciar conversaciones difíciles sobre raza y desigualdad y construir una comunidad en su ciudad natal.
“No puede ser una exageración decir que es el artista que define a Baltimore”, dijo. Lowery Stokes Sims, su viejo amigo y curador de su obra, en una llamada telefónica reciente. “Nació aquí, creció aquí, fue a la escuela aquí, salió al mundo pero siempre tuvo este lugar como base, nunca se fue”.
Durante los últimos meses, la ciudad ha estado en plena celebración de este artista ganador del premio MacArthur “genio”. El Museo de Arte de Baltimore (conocido como BMA) montó uno Una retrospectiva de 50 años del trabajo de Scott., titulado “Walk a Mile in My Dreams”, que se extenderá hasta el 14 de julio antes de viajar al Museo de Arte de Seattle, su institución coorganizadora, este otoño. Incluye aproximadamente 140 objetos, una nueva instalación, un vídeo musical, así como documentación recientemente descubierta de su trabajo escénico desde la década de 1970 hasta el presente. (La primera retrospectiva de Scott en BMA fue en 2000). Además, dos exposiciones en Goa Contemporary, su antigua galería de arte, El enfoque de Scott en el grabado Y Una obra de vidrio a gran escala creada en colaboración con el artista Tim Tate, radicado en Washington DC..
Mejorado por retrospectivas Ocho exposiciones satélite Por la ciudad dedicada a su madre, Elizabeth Talford Scott (1916-2011), artista textil que recurrió y amplió la tradición afroamericana de confección de colchas y que supuso una influencia fundamental en su obra. Organizado por estudiantes del Maryland Institute College of Art, el alma mater de Joyce Scott, los socios incluyen: Museo Reginald F. Lewis, Centro de Historia y Cultura de Maryland Y Zelma, Universidad Estatal de MorganEntre otros.
Hablando sobre la cantidad de exhibiciones, Scott dijo con una risa autocrítica: “¡Dirigimos mi ciudad natal al más puro estilo Baltimore!”.
Las raíces son profundas
Joyce Scott ha viajado por el mundo, completó su maestría en México, vivió en un estudio de fabricación de vidrio de Murano, aprendió técnicas de apliques de mujeres indígenas Kuna en la isla de San Blas de Panamá, impartió talleres de abalorios en Sudáfrica, pero sus raíces en Baltimore son profundas. Sus padres nacieron en familias de aparceros en las Carolinas, su madre en la tierra donde sus abuelos fueron esclavizados; Se mudaron a West Baltimore, donde se conocieron y nació Joyce en 1948. Elizabeth Talford Scott trabajaba como ama de llaves y niñera en casas privadas y hacía su propio trabajo creativo en su tiempo libre.
Joyce se sentaba bajo un bastidor de acolchado instalado en la sala de estar cuando era niña, pasando la aguja a su madre, abuela, abuelo y madrina mientras cosían, escuchando sus conversaciones. Así aprendió sobre el oficio: su larga historia, que se extendía hasta África occidental y una época anterior a los horrores de la trata de esclavos; su estrategia; su carácter comunitario; Su valor no es sólo como medio para crear textiles hermosos y útiles, sino también para registrar la historia cultural. A menudo se refiere a estas lecciones, así como a la conexión que siente con las tradiciones que lo vincularon con sus antepasados africanos, como su “herencia”.
Joyce compartió una casa adosada en Upton, en el lado oeste de la ciudad, con su madre durante 50 años hasta la muerte del mayor de los Scott en 2011. “Toda nuestra casa era festiva; si se rompía una toallita, ella la bordaba para embellecerla”, dijo. “Proviene de personas que se abren camino donde no hay camino, haciendo algo de la nada”. En la retrospectiva se presenta una colcha en la que las mujeres trabajaron juntas, “Monsters, Dragons and Flies” (1982), al igual que varios de los trabajos textiles y de punto de Scott que influyen en la naturaleza de ensamblaje de la confección de colchas.
Cuando llegaron por primera vez, dijo, Upton era seguro, próspero y vibrante, pero como muchos vecindarios predominantemente negros en las grandes ciudades, se vio particularmente afectado por la pérdida de empleos en los años 1970 y 1980. Los signos de la crisis económica están por todas partes, incluidas casas en hilera abandonadas y negocios clausurados, pero también hay signos de perseverancia y revitalización. Cerca se encuentra Druid Hill Park, donde se encuentran dos de las obras de arte público de Scott, una de las cuales es una de Piscina anteriormente independiente Decorado con tierra, pasto y azulejos.
La estupa de su casa tiene una puerta de color púrpura brillante y sus esculturas de cuentas cuelgan de la ventana delantera. Los vecinos vienen a saludarla y a contarle lo bien que se ve cuando el fotógrafo del Times le toma el retrato. “Las fotografías son de mi oficial de libertad condicional”, respondió en broma. Hablaba en serio cuando señaló al grupo de jóvenes reunidos en la esquina vendiendo drogas. “Siempre he trabajado en mi comunidad, no tengo miedo de mis compañeros”, dijo.
embaucador
El humor es clave en su forma de involucrarse tanto personal como artísticamente. Leslie King-Hammond, historiadora del arte y defensora del arte de Scott desde hace mucho tiempo, lo llama “un embaucador al estilo de África occidental”.
“La belleza o el humor de su trabajo te atrae, y cuando estás pasando un buen rato allí, te deja caer el micrófono”, dijo. “Sonríe si quieres, pero entiende que tienes que pagar por esa sonrisa”.
De hecho, mire la pequeña escultura de cuentas de 8 pulgadas de alto de Scott. “hombre comiendo sandia” (1986), le sorprenderá su uso magistral de una técnica de abalorios de los nativos americanos llamada puntada de peyote, que aprendió de un artista de Muscogee (Creek). Sandy Fife Wilson En 1970. Podría reírse del título de la obra: lo que tenemos aquí no es en realidad un hombre comiendo una sandía sino un devorador de hombres Luego, la sandía se te acerca sigilosamente, incómoda. La fruta, que está en el centro de muchos tropos racistas, es un objeto recurrente de las duras críticas de Scott. También negó con la cabeza ante las revistas, todavía disponibles para su compra en algunas partes del país, que mostraban “hilarantemente” a niños negros siendo utilizados como cebo para caimanes.
Otras esculturas con cuentas de la muestra resaltan la larga historia de la figura de la “mamá”, los linchamientos, la golpiza a Rodney King, la persecución de personas con albinismo en Tanzania y la violencia armada. Algunos de ellos tienen vidrio Flono, un whisky medio adoptado después de trabajar con artesanos. Escuela de vidrio Pilchuck en el estado de Washington y en Murano, Italia. La combinación de vidrio con pedrería, objetos encontrados y otros materiales le permite trabajar a mayor escala e introducir cualidades de transparencia y reflejo.
Sus intrincados collares, que a menudo representan cuestiones de justicia social, le valieron un reconocimiento temprano. “Si te pones algo sobre el apartheid, sobre el hambre en África, tienes que estar preparado para tener una conversación”, dijo. “El público te preguntará al respecto”. Algunos de sus coleccionistas acogen con agrado este tipo de conversaciones. “Otros me dicen que dejan sus piezas en casa porque no pueden con ellas”.
Y luego está “Thunder Thai Revue”, la colaboración teatral de Scott con el actor y director. ¿Quién es Lawal-Muhammad?, inspirado en los espectáculos de vodevil de principios del siglo XX: en parte activismo feminista y en parte comedia slapstick. (Su lema era “Comedia en general/Pathos Thinly Veiled”.) El dúo realizó una gira por Estados Unidos y Europa entre 1985 y 1990, ofreciendo sketches que abordaban temas como la gordofobia, los estándares de belleza de los blancos, la violación en citas y más. El crítico de cine Roger Ebert se encontraba entre sus fans. Hablando de lo que es responsable del éxito de esta empresa, Lawal-Muhammad dice: “Creo que su autenticidad, su humor exagerado, pero sobre todo su intensidad. “
Scott dice que su trabajo en performance fue un intento de transmitir su mensaje en un nuevo medio. También tenía una dimensión práctica. “Nos enseñaron a nunca depender de una sola línea de ingresos”, dijo Scott.
El arte como forma de vida.
En 2015, estallaron protestas en Upton tras el asesinato de Freddie Gray mientras estaba bajo custodia policial. “Podía mirar por la ventana del segundo piso y ver a la gente que bajaba por North Avenue y al predicador orando en círculo”, recordó Scott. “Fue muy profundo”.
Los acontecimientos lo impulsaron a actuar. “A la mañana siguiente, reuní a los niños de la cuadra y me acerqué a ‘Bishop’ (el apodo que Scott le da a un propietario del vecindario) “y les dije: ‘¿Tienen una casa que pueda usar?’ Puso una mesa grande y sillas en uno de sus espacios, y conseguí que personas de la comunidad vinieran y trabajaran con cuentas conmigo”. Juntos, procesaron la fugacidad de los eventos y se conectaron entre generaciones.
Scott piensa constantemente en cómo crear arte que intente afectar el cambio social y se muestra en lugares como museos y galerías de arte, donde muchas personas pueden no sentirse cómodas, dijo el historiador de arte King-Hammond. . “Joyce no estará contento hasta que tenga participación comunitaria”.
Recientemente Scott invitó a los vecinos a ver su programa; Algunos nunca antes habían estado en un museo. “Él fue un puente para que sintieran que pertenecían a este espacio”, dijo Cecilia Wichmann, curadora anterior de la BMA.
Cuenta con una sala donde los visitantes pueden contribuir a proyectos de tejido colectivo; Scott los terminará antes de subastarlos para financiar una beca a su nombre en el Maryland Institute College of Art. Dos de los telares son mesas de aula volteadas, cuyas patas sostienen hilos de urdimbre y trama, una técnica que Scott utilizó durante años con un presupuesto reducido mientras enseñaba en programas extraescolares.
“Ella ve su vida como artista como un modelo para los demás y como otra forma de vida”, dijo Catharina Manchanda, curadora del Museo de Arte de Seattle. “Tiene una convicción increíblemente fuerte de que cada forma de arte tiene un papel que desempeñar para unir a las personas y brindarles oportunidades para aprender juntas, pero también modela una forma completamente nueva de ser un artista en una comunidad. No es una carrera para él. tanto como un camino de vida.
Joyce J. Scott: Una caminata de una milla en mi sueño Hasta el 14 de julio en el Museo de Arte de Baltimore, 10 Art Museum Drive, Baltimore; 443-573-1700, artbma.org.
