David Hockney, el icónico pintor británico que lanzó una mirada revolucionaria al arte del siglo XX, murió a los 88 años.
Se hizo un nombre como artista pop en los años 60 y quizás sea mejor conocido por sus pinturas de piscinas que ayudaron a definir la estética de Los Ángeles. Obras como A Bigger Splash y Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) representan escenas hedonistas de amor, lujuria y pérdida que tienen lugar bajo el cielo urbano bañado por el sol.
Pero la carrera de seis décadas de Hockney no puede definirse por una era. Creó retratos que cambiaban de perspectiva utilizando foto-collage, experimentó con pintura de paisajes abstractos y, más adelante en su vida, investigó las posibilidades de crear obras de arte a partir de la tecnología 3D emergente.
El primer ministro británico, Keir Starmer, fue el primero en rendir homenaje a Hockney. Un portavoz dijo que el Primer Ministro estaba triste al enterarse de la muerte de David Hockney, uno de los artistas más famosos de Gran Bretaña.
“Su trabajo vibrante y reconocible al instante ha influido en generaciones de artistas y los pensamientos del Primer Ministro están con sus amigos y familiares”.
Una declaración de los representantes de Hockney decía: “El eminente artista británico David Hockney, una de las figuras más importantes del arte contemporáneo de los siglos XX y XXI, murió pacíficamente en su casa el 11 de junio de 2026, menos de un mes antes de cumplir 89 años”.
Añadió: “El legado duradero de David Hockney refleja su entusiasmo inherente por la vida, su extraordinario sentido del humor, su inmensa generosidad y su curiosidad inquisitiva, resumida en su frase distintiva: Love Life.
“Los detalles del monumento se darán a conocer a su debido tiempo”.
Alex Farquharson, director de la galería de arte Tate Britain de Londres, describió a Hockney como “una figura muy importante”.
“David era un artista infinitamente innovador, con una visión única del mundo”, dijo Farquharson a la BBC.
“Siempre fue completo y audaz, tanto en su trabajo como en la vida. Nos enseñó sobre el placer de mirar, algo que el resto de nosotros no notamos; sus observaciones ingeniosas y agudas son una presencia constante en su trabajo y en persona.
“La pérdida para el mundo del arte es inmensa: el fallecimiento de David cierra una notable carrera marcada por la reinvención.”
La Tate está planeando una gran exposición de su obra en la Tate Britain el próximo año, así como una instalación multimedia en el Turbine Hall de la Tate Modern, y ha dicho que seguirá trabajando con el equipo de Hockney para garantizar que ambas cosas sigan adelante.
El Centro Pompidou de París, con el que Hockney colaboró en dos exposiciones históricas, lo describió como “sin duda una de las principales figuras del arte contemporáneo”.
Añadió que las obras que dejó siguen siendo “deslumbrantes, vivas y eternas”.
Nacido en 1937 en Bradford, West Yorkshire, Hockney era el cuarto de cinco hijos en lo que describió como una “familia radicalmente de clase trabajadora”. Sus padres alentaron el compromiso artístico de su hijo. Estudió arte en Bradford College y vendió su primer cuadro, un retrato de su padre, por £10 en la Exposición de Artistas de Yorkshire en 1957.
Como objetor de conciencia, completó sus dos años de Servicio Nacional como ordenanza de un hospital antes de matricularse en el Royal College of Art de Londres en 1959. Rápidamente se ganó la reputación de tener un talento único, aunque con una vena rebelde. Su negativa a hacer un dibujo del natural de una modelo femenina casi le impidió graduarse; al parecer, presentó un dibujo del natural para obtener un diploma, que representaba una figura masculina musculosa de una revista de física estadounidense. Hockney también se negó a escribir un ensayo requerido para el examen final, creyendo que debería ser juzgado únicamente por su obra de arte. La RCA, consciente del talento que estaba fomentando, modificó sus reglas para poder otorgarle un diploma.
Fue el comienzo de una carrera en la que Hockney no tuvo reparos en desafiar a la sociedad conservadora. Su pintura de 1961 We Two Boys Together Clinging, que lleva el nombre de un poema de Walt Whitman, es un indicador temprano de esto. Obras posteriores, como Cleaning Teeth, Early Evening (10pm) W11, de 1962, con sus tubos y cadenas fálicos de Colgate, representarían la vida gay con una honestidad y apertura que estaba casi completamente en desacuerdo con Gran Bretaña, donde la homosexualidad era un delito penal hasta 1967.
Con su característico cabello rubio decolorado, gafas redondas de montura gruesa y un cigarrillo colgando de sus labios, Hockney se convirtió en una figura en el circuito de fiestas de los años 60 en Londres y Estados Unidos. Salía de fiesta con Andy Warhol, Ossie Clark y Dennis Hopper, ganándose una reputación de playboy y flâneur. Sin embargo, aunque vivió una vida de felicidad bohemia y consumo de drogas, nunca perdió su sólida ética de trabajo de Yorkshire. Incluso después de sufrir un derrame cerebral en 2012, que afectó temporalmente su habla, continuó trabajando.
Después de mudarse a Los Ángeles a mediados de los años 60, sus obras más maduras y sobrias ganaron elogios por su capacidad para transmitir emociones profundas y complejas sobre el lienzo. Man in the Shower in Beverly Hills (1964) encuentra al artista avanzando a medida que evoluciona hacia un estilo más realista. En noviembre de 2018, la obra maestra de Hockney de 1972, Retrato de un artista (piscina con dos figuras), se vendió en Christie’s por 90,3 millones de dólares (70,2 millones de libras esterlinas), un récord mundial para un artista vivo en ese momento. La obra, inspirada en la ruptura de Hockney con su amante, impresionó a los críticos, incluido Jonathan Jones del Guardian, quien la describió el mismo año como “una tranquila destilación de amor y tristeza”.
Mientras trabajaba en una de sus pinturas de Los Ángeles, Hockney tomó una serie de fotografías de referencia con una cámara Polaroid y accidentalmente se topó con la siguiente fase de su carrera: fotocollages, o “uniones”, como él los llamaría. Al combinar varias fotografías, Hockney explora su fascinación por la perspectiva. Los retratos que creó de su madre y del marchante de arte británico John Kasmin mostraban una fuerte influencia cubista que generó comparaciones con su ídolo Picasso.
En años posteriores, Hockney experimentó en muchas áreas nuevas, incluido el diseño de escenografía y vestuario para óperas y ballets. El desarrollo de la tecnología fascinó al artista: a medida que su carrera evolucionó, su arte utilizó fotocopiadoras, máquinas de fax, impresoras y iPads; este último le permitió crear montones de pinturas digitales que enviaba con entusiasmo por correo electrónico a amigos y conocidos. Pero sus intereses tecnológicos siempre se reducen a una cosa: “Realmente sólo me interesa la tecnología sobre imágenes”, dijo a la revista Interview en 2013. “Me interesa hacer cualquier imagen”.
Hockney, fumador de toda la vida, sostenía que los cigarrillos eran beneficiosos para su salud mental. En un artículo en The Guardian en 2007, calificó la inminente prohibición de fumar en el Reino Unido como “la pieza más extraña de ingeniería social”.
Regresó a Yorkshire desde Los Ángeles en 2005, pero en 2013 se produjo una tragedia cuando su asistente Dominic Elliott, de 23 años, fue encontrado muerto en su casa de Bridlington. Se vio a Elliott consumiendo limpiador de desagües domésticos después de ingerir una variedad de drogas recreativas, incluidas éxtasis y cocaína. Un forense dictaminó que Elliott murió como resultado de una desventura. Hockney dijo que durante un tiempo consideró abandonar el arte por completo, porque ya no podía pintar tras la muerte de Eliot.
Hockney rechazó el título de caballero en varias ocasiones y se cree que una vez rechazó una invitación para pintar un retrato de la Reina. Su iconoclasia se manifestó en el libro de 2001 Conocimiento secreto: redescubriendo las técnicas perdidas de los viejos maestros, en el que desafió muchos pensamientos establecidos sobre cómo podrían haberse creado las grandes pinturas del pasado. Provocó tanto la ira como el frenesí de críticos e historiadores del arte.
“Enseñar a la gente a dibujar es enseñarles a ver”, dijo al Yorkshire Post en 2018. Y su arte, sin duda, tuvo un efecto profundo en la forma en que veíamos el siglo XX, no es que él necesariamente lo viera así.
“No reflexiono mucho”, le dijo a Simon Hattenstone de The Guardian en 2015. “Ahora estoy vivo. Siempre es ahora”.
